L'artiste norvégien Edvard Munch a capturé les profondeurs de l'émotion humaine pas comme les autres. Surtout connu pour « The Scream '', ses œuvres expressives obsédantes continuent d'influencer l'art et la culture modernes.
Peu d'artistes sont partis comme une marque sur le monde que Edvard Munch. Mieux connu pour Le crison style obsédant et évocateur a façonné l'art moderne et a aidé à définir le mouvement expressionniste.
Cependant, l'héritage artistique de Munch va bien au-delà de son œuvre la plus célèbre. Ses peintures profondément personnelles et chargées émotionnellement, son influence sur l'art norvégien, l'art européen et son histoire de vie tumultueuse continuent de captiver le public aujourd'hui.
Avec un nouveau musée Munch à Oslo et une vente record de sa peinture Danser sur la plageson impact reste aussi pertinent que jamais.
L'homme derrière «le cri»
« The Scream '' d'Edvard Munch (Skrik En norvégien) est l'une des peintures les plus reconnaissables de l'histoire, juste derrière «Mona Lisa». La silhouette fantomatique et tourmentée contre un ciel rouge tourbillonnant est devenue un symbole universel de l'anxiété et de la peur existentielle.
Munch a créé quatre versions du cri entre 1893 et 1910 – deux peintures, un pastel et une lithographie.
La peinture à l'huile de 1893, hébergée au Musée national de Norvège, est considérée comme la plus importante, tandis que la version pastel de 1895 a établi un record lorsqu'elle a vendu 119,9 millions de dollars en 2012.
L'inspiration est venue d'un moment de panique réel. Dans son journal, Munch a décrit la marche à Ekeberg, Oslo, quand il s'est soudainement senti submergé par l'anxiété et a imaginé «un cri infini en passant par la nature».
Les lignes déformées et les couleurs contre nature reflètent ses troubles intérieurs, marquant un changement vers le symbolisme et l'expressionnisme.
Bien que souvent considéré comme un autoportrait, «le cri» est plus un archétype, représentant la peur et l'isolement universels. Son influence s'étend bien au-delà de l'art – cela a inspiré le masque fantôme dans les films Scream, d'innombrables références de culture pop et même un emoji.
Le tableau a également été volé deux fois, en 1994 et 2004, avant d'être récupéré.
Malgré ces braquages dramatiques, « The Scream '' reste le travail le plus emblématique de Munch, bien que ce ne soit qu'un morceau de sa vision artistique plus large, qui a exploré l'amour, la mort et la vulnérabilité humaine avec une profondeur remarquable.
Une enfance troublée
Né en 1863 à Ådalsbruk, en Norvège, et élevé à Oslo (alors appelé Christiania), la première vie d'Edvard Munch a été marquée par la maladie, la perte et les troubles psychologiques – une ombre qui se profilera sur son art pendant des décennies.
La tragédie a frappé tôt lorsque sa mère est décédée de tuberculose en 1868, laissant Edvard, cinq ans et ses frères et sœurs, sous la garde de leur père, le Dr Christian Munch, un médecin militaire dévoué.
Munch était un enfant maladif, souvent confiné à son domicile en raison de maladies bronchiques chroniques et ce qu'il soupçonnait plus tard, c'était une pneumonie. Isolé des autres enfants et manquants de longues périodes d'école, il a passé une grande partie de son temps à dessiner, développant une fascination précoce pour capturer l'émotion humaine et la souffrance.
Son père a encouragé ce débouché créatif, mais a également renforcé un profond sentiment de culpabilité et de peur, remplissant la maison d'avertissements de punition divine. Munch a décrit plus tard son enfance comme étant éclipsée par «les anges de la peur, du chagrin et de la mort».
En 1877, alors que Munch n'avait que 14 ans, la tuberculose a revendiqué une autre victime – sa sœur aînée bien-aimée Sophie, qui était comme une mère pour lui.
Le traumatisme de la regarder se gaspiller lentement le hantant pendant des années, remontant dans l'une de ses premières peintures majeures, «The Sick Child» (1885-1886). Les coups de pinceau bruts et émotionnels de l'œuvre et un sujet fantomatique pâle ont capturé son chagrin d'enfance et ont marqué sa rupture avec le réalisme traditionnel.
Une autre des sœurs de Munch, Laura, a ensuite développé une schizophrénie, approfondissant sa préoccupation de la maladie mentale et du désespoir existentiel.
Pendant ce temps, les humeurs imprévisibles de son père et la religiosité quasi-fanatique ont créé une maison remplie d'anxiété, où Munch et ses frères et sœurs étaient souvent soumis à des sermons de feu et de birie sur le péché et la damnation.
Ces premières expériences ont façonné les thèmes artistiques de Munch à vie: la mort, la maladie, les troubles émotionnels et la peur existentielle.
Même en tant qu'adulte, il est resté hanté par ses craintes d'enfance, une fois écrivant: «La maladie, la folie et la mort étaient les anges noirs qui surveillaient mon berceau et m'ont accompagné toute ma vie.»
La fabrication d'un artiste
Malgré des plans initiaux pour étudier l'ingénierie, Munch a abandonné l'éducation formelle pour poursuivre l'art, en s'inscrivant à la Royal School of Art and Design de Christiensia. Il a été profondément influencé par les peintres européens contemporains, en particulier les symbolistes et les impressionnistes, et a rapidement développé son propre style distinct.
Une bourse a permis à Munch de se rendre à Paris à la fin des années 1880, où il a absorbé les mouvements artistiques de l'époque.
Sa percée est survenue en 1892, lorsque son travail a été exposé à Berlin. L'exposition était si controversée qu'elle a été fermée après une semaine, mais le tumulte n'a fait que renforcer l'intérêt pour son travail.
Au cours des années 1890, Munch a créé sa célèbre série «Frieze of Life», qui a exploré l'amour, l'anxiété, la jalousie et la mort. Cette période a produit certaines de ses peintures les plus emblématiques, notamment «Madonna», «Anxiété» et «Jalousie», aboutissant à «The Scream».
Une vie marquée par des troubles
La vie de Munch a été marquée par des luttes personnelles avec l'alcoolisme, l'anxiété et la dépression, qui ont tous deux alimenté son art et conduit à une détresse psychologique sévère. Au début des années 1900, sa santé mentale s'est détériorée, provoquant des hallucinations, une paranoïa et des pannes.
En 1908, après avoir subi des hallucinations auditives et une paralysie partielle, il est volontairement enregistré dans une clinique de Copenhague, où le repos et la thérapie ont contribué à le stabiliser. Après le traitement, il s'est retiré des cercles bohème et s'est installé à Ekely, près d'Oslo, adoptant une vie plus reclus.
Ici, Munch s'est concentré sur les paysages, les portraits et les œuvres d'auto-réflexion, explorant les thèmes du vieillissement, de la solitude et de la mortalité. Son « autoportrait entre l'horloge et le lit '' (1940-1943) capture de manière poignante sa conscience du temps qui s'éloigne.
Bien que largement isolé, Munch a continué à peindre jusqu'à sa mort en 1944, trouvant du réconfort dans la nature et son art.
Le nouveau musée Munch à Oslo
L'importance de Munch pour la culture norvégienne est indéniable, et sa vaste collection d'œuvres est désormais logée à Munch, le nouveau musée frappant qui a ouvert ses portes en octobre 2021 sur le front de mer d'Oslo.
Remplacement du musée plus ancien et beaucoup plus petit à Tøyen, ce monument de 13 étages contient désormais la plus grande collection mondiale d'œuvres de Munch – y compris des peintures, des impressions et des milliers de dessins et aquarelles – en préservant l'héritage de l'artiste pour les générations futures.
Au-delà des œuvres de Munch, le musée explore également son influence sur l'art contemporain, présentant des expositions d'artistes modernes inspirés par ses thèmes d'amour, d'anxiété et de mortalité.
Parmi eux, l'artiste britannique Tracey Emin, qui a cité Munch comme une profonde influence sur son travail émotionnellement brut et expressif. En 2022, le musée a accueilli l'exposition d'Emin « La solitude de l'âme '', mettant en vedette des peintures, des sculptures et des installations néon qui se sont directement engagées avec l'héritage artistique de Munch.
Emin a décrit Munch comme «son âme sœur à travers le temps», attirée par son exploration de la douleur, de la vulnérabilité et de la psyché humaine.
Conçu par le cabinet d'architecture espagnol Estudio Herreros, le musée a fait l'objet d'un débat houleux en raison de sa conception inhabituelle inclinée et de son esthétique industrielle.
La structure de 57 mètres de haut, vêtue d'aluminium, qui se penche légèrement vers l'avant en haut, a été décrite comme ressemblant à une tour s'inclinant dans le respect du fjord d'Oslo.
Alors que certains critiques ont salué son look audacieux et moderniste, d'autres l'ont qualifié de «prison» gris et terne pour l'art. Malgré la réception mixte, le musée est rapidement devenu un point de repère culturel majeur dans le district de Bjørvika d'Oslo, aux côtés de l'emblématique opéra d'Oslo et de la bibliothèque Deichman.
Malgré le scepticisme initial quant à sa conception, Munch s'est cimenté en tant que destination de premier plan pour les amateurs d'art, attirant plus d'un million de visiteurs au cours de sa première année seulement.
L'héritage et l'influence durables de Munch
Lorsque Edvard Munch est décédé en 1944, il a quitté toute sa succession – plus de 28 000 œuvres d'art – à la ville d'Oslo. Aujourd'hui, son impact peut être vu non seulement dans le musée Munch mais aussi dans les galeries du monde entier.
Ces dernières années, le marché de l'art a réaffirmé son attrait durable. En 2012, une version pastel de «The Scream» s'est vendue pour 119,9 millions de dollars stupéfiants aux enchères, ce qui en fait l'une des peintures les plus chères jamais vendues.
L'une des peintures moins connues mais historiquement significatives de Munch, «Dance on the Beach» (Dans På Stranden), a refait surface en 2023 lorsqu'il a été vendu aux enchères chez Sotheby's à Londres pour 16,9 millions de livres sterling (20,3 millions de dollars).
La peinture faisait à l'origine partie de «The Reinhardt Frieze», une série Munch créée pour le célèbre directeur de théâtre allemand Max Reinhardt en 1906.
La propriété à l'origine de l'historien juif de l'art Curt Glaser, «Dance on the Beach» a été vendue sous la contrainte lorsque Glaser a fui l'Allemagne nazie en 1933.
La peinture s'est retrouvée plus tard avec le collectionneur norvégien Thomas Olsen, qui l'a caché dans une forêt norvégienne pendant la Seconde Guerre mondiale, aux côtés d'autres œuvres de Munch, y compris des versions de Le cri. Dans un rare acte de restitution, Petter Olsen, le fils de Thomas, a volontairement accepté de diviser le produit des enchères avec les héritiers de Glaser.
Plus qu'un simple peintre de «The Scream», Munch a été un pionnier de l'art moderne, un maître de l'expression émotionnelle et un artiste dont les œuvres profondément personnelles continuent de résonner à travers les générations.
Son héritage vit non seulement dans les musées, mais aussi dans la culture populaire, où son imagerie capture toujours l'expérience humaine universelle de l'anxiété, de l'amour et de la peur existentielle.
Que ce soit vu dans les Grands salles du musée Munch ou à travers l'objectif de la culture pop des parodies et des références, l'art de Munch reste aussi puissant et stimulant aujourd'hui qu'il y a plus d'un siècle.